戏剧：新崛起与旧世代的剧作家
琼斯(Chris Jones)
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亚拉巴马州州府蒙哥马利今年春天的脚步早临。然而当美国最绚烂耀眼的场所亚拉巴马州莎士比亚戏剧节(Alabama Shakespeare Festival)场地在年初满目青翠时，吸引艺术世界至民权运动发源地的其一节目－南方作家计划(Southern Writers’ Project)便开始进行。此外，每年南方作家计划都会运用数天播放由充满抱负使命且信誉卓著剧作家创作的6部以上新戏剧。
不过也并非唯有在南方作家计划(Southern Writers’ Project)里才能欣赏到美国新一代颇负盛名的剧作家作品。路易维尔演员剧场(Actors Theatre of Louisville)的美国现代剧展(Humana Festival of New American Plays)甚至展示更耳熟能详的作品，包括2003年令人赞叹不已且极受欢迎的新戏剧《杂凑》(Omnium-Gatherum)。
由亚历山德拉(Alexandra Gersten-Vassilaros)及泰瑞莎•雷贝克(Theresa Rebeck)提笔撰写的《杂凑》(Omnium-Gatherum)，叙述的是马莎•史都华(Martha Stewart)在经历911恐怖攻击事件后立即举行晚宴的故事，且此部戏也促进美国地理政治学观点的剖析。因为它是以美国知名学者为主角，所以她邀请的”宾客”代表的即是包罗万象的政治观点。美国评论家肯塔基(Kentucky)认为这部戏反映出美国观众热望美国能保持全球霸主地位。
百老汇的起落浮沈
大胆剖析且坦率真诚的《杂凑》(Omnium-Gatherum)似乎是百老汇的缩影。美国一度曾经只要是新的戏剧几乎都会在百老汇上映。然而经过几年，当称为常驻剧院或地方剧院这种非营利的美国剧院与营利性美国剧院开始宣传新戏剧作品时，就会采取彼此互相让步、互相迁就的模式。有些新的戏剧开始会在商业场所上映，接着就慢慢转换至地方性非营利场所播放表演。而有些像是剧作家马奎里斯(Donald
Margulies)的《友情晚宴》(Dinner with
Friends)则是刚开始先在地方性非营利场所如路易维尔或蒙哥马利表演，接着再转移至主要商业场所上映。这两种类型的美国剧院业永远都在找寻新作品，以平等互惠的原则彼此交流沟通。
老派的商业监制的确就如同贪得无厌的企业家，只想制作长久不退流行且能迎合低水准观众群口味的作品。然而现今的商业监制则了解戏剧迷的需求，前仆后继地制作出充满生气且创新自主的美国新戏剧作品。即使他们打算制作大胆有伤风化的戏剧，他们也愿意为了美国戏剧业的优良发展而舍弃不用。
音乐剧也许是以百老汇风格为主，然而百老汇也不断推出一些杰出的新美国戏剧，像是导演理查德•格林博格(Richard Greenberg)编导的《带我出去》(Take Me Out)，就是一出有关同性恋棒球员的戏剧，且格林博格(Greenberg)的戏剧还荣获2003年普立兹戏剧优异奖。
此外，检视今年阿拉巴马及肯塔基的新戏剧即可反映出新一代剧作家其眼光宽广且多元化的戏剧概念。美国戏剧长久以来都是以剧作家在舞台上竭力探讨目前社会议题凸显戏剧特色为目标，而新一代的剧作家则继续保有这个传统。
跨世纪新声
卓越非凡的作家布朗(Carlyle Brown)最为人所知是他的《The African Company Presents Richard
III》，以及他自导自演的《The Fula From
America》，此剧叙述的是一位现代非裔美国人搭乘巴士在非洲祖国的乡村小镇中旅行引发虚拟与现实的模糊界限。透过布朗(Brown)才华洋溢的镜头，这段非洲大陆的奇异之旅幻化为真实的力量之旅，且这部戏剧具备丰富多元的全球性格及讽刺幽默的社会评论，甚至能让我们回想起美国著名独白者莉莉•汤姆林(Lili
Tomlin)的杰作。其实这部戏不断地反思一个人是否能重回自己的家乡，并在美国以外的国家转换自己扮演的角色，我只能说《The Fula From
America》不但风格清新、聪明有智慧且非常写实化。
政治剧作家蔻蓉(Kia Corthron)不但是美国很重要的新崛起作家，同时也是谈论女古惑仔且目前风行纽约之《Breath, Boom》的原著。他最新创作的新巨作称为《The Venus de Milo Is Armed》，此剧是以美国人的观点看待引发全球恐慌的地雷问题。蔻蓉(Corthron)于此剧中假设地雷在美国爆炸，藉以引起美国观众对全球问题的关心。
当然也有轻松愉快的戏剧表现，如迄今仍默默无闻的亚拉巴马州作家克林(Linda Byrd Killian)撰写的《Aaronville Dawning》，就是叙述来自密西西比州的老妇人在她的厨房谈论她的生活以及她准备丧礼食物所表现的地方特色，这是一部有趣好笑且八卦长舌的南方歌德式故事。它离奇好笑又充满智能的表现模式与《我们的发言权》(Having Our Say)之南方版本相似，《我们的发言权》(Having Our Say)这部十年前的杰作讲述的是关于纽约哈林区出生的德兰尼姊妹。
这种引人注目的新奇作品可以证明，现代美国戏剧的确为了制作多元化作品而加倍努力，尤其是我们在市面上较少看到的作品。
包括与瑞吉娜•泰勒(Regina Taylor)相似的其它剧作家也会以观众的角度撰写相关事件。渐渐地，亚拉巴马州莎士比亚戏剧节(Alabama Shakespeare Festival)成为观众欣赏南方作家作品的场地选择，像是出生于亚拉巴马州且最近5年逐渐崭露头角的吉尔曼(Rebecca Gilman)就是美国戏剧界最重要的明日之星。
人物简介：剧作家蕾吉娜泰勒(Regina Taylor)
数年前位于纽泽西州的普林斯顿剧场导演与蕾吉娜•泰勒(Regina Taylor)联系，希望能与她合作一部关于戴着”上教堂做礼拜”帽子的黑人女性与她无数典型黑白相片的舞台剧。泰勒(Taylor)对于接受这项挑战非常兴奋。这部戏就是后来以这位女性为故事核心并融合福音音乐及老式说书方式的《Crowns》。这位身兼剧作家及演员的杰出人物在演员罗伯特•雷德福(Robert Redford)于犹他州创立的圣丹斯协会(Sundance Institute)里常驻演出，并在2002年末于纽泽西学院社区里进行公开表演。 「我们只是将他们真实的生活完整呈现罢了！」泰勒(Taylor)在《Crowns》首演前简言扼要地表示。她称那些启示性的帽子为「直达这些女性灵魂深处的最佳通道」。 《Crowns》初次登台便吸引许多人的注意力，且编者的十足创意及聪明能力也颇具代表性。泰勒(Taylor)是一位文艺复兴时代的女性，身为演员、导演及编剧的她在过去20年间不断在全球各地表演艺术。 泰勒(Taylor)的双亲都是学校教师，且她是在德州达拉斯市成长的。她大学时主修的是新闻学及英文文学，且她初次的专业性表演是在电视短剧里演出有关美国南方学校整合历史的纪录片剧情。泰勒(Taylor)于1981年大学毕业后随即搬到纽约市，以便继续表演由她大学里其中一位写作讲师所指导她完成的作品。 泰勒(Taylor)最近受访时表示「我热爱表演！写作是用笔与纸发挥灵感写出有血有肉的作品。然而表演却是用声音及肢体表达心灵层面的清境。」 身为舞台表演者的泰勒(Taylor)是首位以黑人女性的身份担任百老汇音乐剧《罗密欧与朱丽叶》(Romeo and Juliet)的朱丽叶(Juliet)一角。电视剧方面，泰勒(Taylor)因为演出电视连续剧《展翅高飞》(I’ll Fly Away)里50年代的美国南方黑人妇女因而荣获金球奖。电影方面，泰勒(Taylor)即使与像是丹佐•华盛顿(Denzel Washington)及山缪杰克森(Samuel L. Jackson)这类巨星对戏也稳如泰山、表现出色。 泰勒(Taylor)的首部戏剧《Oo-Bla-Dee》是关于一位40年代的黑人女爵士音乐家，首度演出是在芝加哥剧院，之后才在其它地方登台演出。接着她将俄国剧作家契诃夫(Chekhov)的《樱桃园》(The Cherry Orchard)改编为《噩鸦》(Drowning Crow)，利用当代南卡罗来纳州的农村背景来表现艺术家庭伦理道德的故事。 泰勒(Taylor)参与表演的《Crowns》在普林斯顿演出后便登上纽约的舞台，且她设定她下一个目标是将艾丽斯•沃克(Alice Walker)的原著《紫色姊妹花》(The Color Purple)改编为舞台剧，基本上这是艾丽斯•沃克(Alice Walker)提出的请求。 |
吉尔曼(Gilman)是个30多岁的端庄保守女性，她源自亚拉巴马州的Trussville并前往芝加哥发展。吉尔曼(Gilman)在求职多次碰壁后，当芝加哥小型剧院森林公园弧形剧场(Circle Theatre in Forest Park)上映她的早期戏剧《活着光荣》(The Glory of Living)时便带来好运连连。《活着光荣》(The Glory of Living)是一部不畏社会眼光探讨儿童受虐、性别偏差及连续杀人的议题，不但获得苏珊博兹(Susan Booth)的好评，且芝加哥最有名望的古曼剧院(Goodman Theatre)之文学经理(目前任职亚特兰大联盟剧院的艺术指导)也对她赞誉有加，于是吉尔曼(Gilman)很快就成为古曼剧院(Goodman Theatre)最喜爱的剧作家。
古曼剧院(Goodman Theatre)首度上映吉尔曼(Gilman)探讨白人种族主义的《Spinning Into Butter》。此剧背景是在一所虚构的大学校园，当白人行政管理者发现非裔美籍大一生接到威胁恐吓之匿名信件后的反应。戏剧的第二幕是叙述神经紧张的校务长莎拉•丹妮斯(Sarah Daniels)在同事面前情绪失控并以独白的方式承认她怀有种族主义的偏见。由于戏剧角色都具移情作用，且种族主义是用语言表达而自由主义者通常偏好逻辑思考，以致于剧本及制作以及曼哈顿戏剧俱樂部(Manhattan Theatre Club)的后期制作都独好剧中的独白部分。
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从那时起，吉尔曼(Gilman)便着手撰写《男孩得到女孩》(Boy Gets Girl) (这是一部崇尚雅痞及以关系为导向的戏剧)及《Blue Surge》(这是一部探究警察与他们追捕的罪犯之间之关系)。吉尔曼(Gilman)是一位极富进取精神的重要剧作家，且她的作品非常值得大家引领期盼。
探索争议性话题
目前美国戏剧并非完全依赖新作家创作吸引观众注意力。像是剧作家库许纳(Tony Kushner)
的争议性剧作《Homebody/Kabul》就是探究有关中东势力均衡的政治议题，库许纳(Kushner)一直以来都是当代美国戏剧界的政治挑衅者。
奥古斯特•威尔逊(August Wilson)运用他在20世纪中累积的非裔美式经验努力完成他的著作《dazzling King Hedley II》，这部2000年的作品可以证明这位极富创造力且充满诗意的作家开始有意朝希腊悲剧作家的目标迈进。威尔逊(Wilson) 2003年完成的剧作《海洋之珍》(Gem of the Ocean)可以说是他的颠峰之作，不但让他留名青史且让他更有使命继续创作。
近几年美国戏剧界最显赫的老翁爱德华•奥比(Edward Albee)证明以他高龄70岁的创作仍能震撼观众。奥比(Albee)的剧作《那头羊，她名叫希薇亚》(The Goat or Who Is Sylvia?)是一部家庭悲剧，剧中其一主角爱上了四只脚的动物。这部剧作不但在去年荣获东尼(Tony Award)最佳百老汇原创奖，且是今年最令大家津津乐道的戏剧之一。这部戏的名称可能听起来很猥亵，但是故事内容却正好相反，它其实是一部严肃认真且沉重真实的剧作。剧中影射政治社会的禁忌话题，暗喻人际关系(或政治关系)中黑暗的一面，毕竟”悲剧”最原始的意思就是山羊歌(Goat Song)。至于奥比(Albee)其谈论深奥主题的剧作常会大量利用隐喻修辞法，相较之下，许多年轻一辈作家的作品就显得胆小保守得多。
当然也有几位新崛起的美国剧作家在近几年崭露头角。如不愿受戏剧规则束缚且率直敢言的年轻剧作家亚当•莱普(Adam Rapp)，他的著作《Nocturne》(探索一位年轻人内疚不安的心路历程)以及《Finer Noble Gases》，一部关于一群孤单音乐家在对科技着迷后又摧毁科技的自然生活化。
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年长的查尔斯•密(Charles L. Mee)是一位思虑复杂且才华洋溢的剧作家，同时也为戏剧界开辟了一条非凡卓越的道路(包括他将他的作品上传至因特网上供人欣赏，并鼓励剧团将他们认为适合的题材混合搭配演出)。其实密(Mee)的作品大多受到古典戏剧的影响，从他广受欢迎的剧作《大爱一场》(Big Love)即能得窥一二，且他特别喜欢以现代观点改编古希腊剧作。此外，密(Mee)最近充满诗意的作品《Limonade Tous Les Jours》，是叙述一个人到巴黎旅行遇见一位对他着迷的年轻貌美之法国酒馆驻唱歌手。密(Mee)的作品都充满着浪漫梦幻的气氛以及非凡的聪明智慧。
密(Mee)最常合作的对象就是前卫戏剧导演安•柏卡(Anne Bogart)，最近他们合作的作品《bobrauschenbergamerica》即是以绚烂耀眼的戏剧手法回顾50年代著名视觉艺术家鲍布•劳森伯格(Bob Rauschenberg )。柏卡(Bogart)也曾撰写《Score》，以单独表演的方式呈现伯恩斯坦(Leonard Bernstein)这位伟大作曲家的生涯历程。她还同意她SITI剧团里杰出一流的演员去参与其它美国剧作家作品的演出，包括优秀演员杰佛森•梅兹(Jefferson Mays)，他2002年及2003年大多数时间都在拍摄由莱特(Doug Wright)编剧的《我是我自己的老婆》(I Am My Own Wife)，此剧是有关一位德国异性模仿癖者在柏林围墙倒塌后幸免于难的故事。
跨越界限
柏卡(Bogart)的作品各方面来看都意图打破用来区分美国戏剧的过时界限，近来我们可以发现那些不恰当的分门别类已渐渐没落。
编导玛丽•札莫曼(Mary Zimmerman)执导改编自奥维德(Ovid)史诗原著《变形记》(Metamorphoses)不但荣获百老汇东尼奖，且玛丽•札莫曼(Mary Zimmerman)本人也被视为全方位服务的艺术家。从她改编的《莱奥纳多•达芬奇笔记》(The Notebooks of Leonardo da Vinci)到她与现代作曲家菲利浦•葛拉斯(Philip Glass)合作编导并在古曼剧院(Goodman Theatre上映的歌剧《伽利略》(Galileo Galilei)，都能发现札莫曼(Zimmerman)习惯避开时代错误或直截了当的政治评论，然而她仍在原型(archetype)及晚间新闻之间建立起令人难忘的关系。
札莫曼(Zimmerman)在过去几年多次以温柔哄诱的手法将目瞪口呆的观众带进令人为之震撼的戏剧领域，这是一种优良古老传统与消极现代生活产生冲击的戏剧结构。
札莫曼(Zimmerman)绝对是一位技艺高超的说书人。但是由于新一代美国戏剧艺术家是在超现实画面及快速变化视觉影像的环境下成长，因此这群图像世代(video-generation)剧作家对传统故事都兴趣缺缺。这些作家偏好强烈情感，像是来自旧金山的编剧丹尼斯•约翰逊(Denis Johnson)(剧作《地狱追逐我的足迹》(Hellhound on My Trail))，很显然是受到剧作家山姆•薛普(Sam Shepard)及美国西方半虚构思想的编年史家之影响，以致于他们常着重在多元丰富的视觉元素而非刻板生硬的戏剧逻辑上。
一般而言，今日的新一代作家也因为跨越戏剧界限而更受人欢迎。举例而言，帕克丝(Suzan-Lori Parks)其荣获普立兹奖的杰出作品《获胜者/失败者》(Topdog/Underdog)，即刻画了一对名为林肯(Lincoln)及布思(Booth)的黑人兄弟同胞相残和梦想破灭的故事。这一对兄弟不但同住在一间肮脏不堪的公寓里，且林肯(Lincoln)甚至如现实生活中的演员林肯(Abe Lincoln)一般在游乐场工作。
这部戏剧是真实历史还是杜撰出来的小说？它只是兄弟阋墙的简单故事亦或是反映出过去时代的历史记忆？在帕克丝(Suzan-Lori Parks)创作同样富挑战性的剧作《美国戏剧》(The America Play)时，便以最挑衅激烈的手法融合实情真相与异想天开的想象空间。
这种结合布莱希特式(Brechtian)手法及幽默诙谐效果的自觉性戏剧甚至影响了百老汇音乐剧。编剧作词家葛瑞格•寇提斯(Greg Kotis)及作曲家马克侯曼(Mark Hollmann)共同制作的《音乐剧尿都》(Urinetown, the Musical)，即叙述一个受诅咒的城市，因为赖以维生的水源日渐短缺，居民被禁止使用私人厕所，必须付出高额的费用才能使用公厕。
这部戏旨在强调保护自然资源及发挥同理心的重要性，剧中的主角也明了他们需栩栩如生地表现出音乐剧中的角色特点。因为演员出色的表演使整出剧增添聪明伶俐的后现代感受力，完全迎合年轻一辈观众群的口味。这部戏甚至对百老汇音乐剧的传统表达崇敬之意，百老汇音乐剧可以说是美国艺术创作的代表性作品，可以从梅尔•布鲁克斯(Mel Brooks)编剧的滑稽透顶《金牌制作人》(The Producers)现场版略窥一二。
我想大家应该都能感受到艺术领域的融合趋势，不论是美国博物馆展览、摇滚音乐会甚至是直播节目的演员及戏剧叙事，与之前情况相比似乎都更富戏剧性。百老汇与好莱坞彼此都视对方为灵感来源，如由知名百老汇音乐剧改编的好莱坞电影《芝加哥》(Chicago)就荣获2002年奥斯卡最佳影片奖。s.
神奇特效
许多剧团都表示他们主要的竞争者并非来自其它艺术团体而是本质越来越接近戏剧的零售环境。像是位于芝加哥的美国娃娃屋(American Girl Place in
Chicago)就是以未满13岁的孩童为诉求目标，他们甚至雇用百老汇作曲家制作属于他们自己的小型音乐剧，并在他们店里的地下室播放演出。换句话说，新戏剧作品现在甚至能在购物中心里欣赏得到了。
美国戏剧科技也发生重大改变。在过去两年间，2D图像领域有了长足的发展，过去在画布上作画的模式也转换为数字影像。既然计算机灯光已非常普遍，最先进高级的剧院(像是在拉斯韦加斯的顶级剧院西泽皇宫[Caesar’s Palace]里可容纳4000人的全新大竞技场)即能利用大型LED(发光二极管)电子屏幕制造出纵深的感觉，是全世界唯一能提供壮观娱乐场景的场所。
现在的拉斯韦加斯表演已不再缺乏群众魅力反而增广丰富多元的视觉经验，全球艺术家可以利用庞大预算及富丽堂皇的场地在沙漠崛起的神话里尽情表演。尽管减少科技元素，然而大型LED电子屏幕仍能提供百老汇音乐剧《发胶》(Hairspray)震撼人心的背景幕，《发胶》(Hairspray)这出剧结合亚拉巴马州式的滑稽风趣特色及严肃认真之民权主题。
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与佩罗夫(Carey Perloff)的对谈
Fo旧金山美国戏剧学院(San Francisco’s American Conservatory Theater, A.C.T.)的艺术指导佩罗夫(Carey Perloff)是美国20年来戏剧发展的见证人，在她领导美国戏剧学院(A.C.T.)这十几年间最富挑战性的就是重建于1989年加州地震毁于一旦的剧团场地。她希望能发掘出更多杰出人才，即使是观众，只要创意十足、才华洋溢也一视同仁。她的戏剧展望并不局限于美国境内，也因为如此她会与全球同业讨论商议，企图寻求不同意见及找寻合作对象。 问题： 戏剧领域在过去十几年间最令你印象深刻的卓越发展为何？ 回答：有几项发展都令我印象深刻。其一为美国演员的文艺复兴运动。我得说这是历史上的关键时刻。我非常关心戏剧界的未来发展，也因为如此我们美国戏剧学院里(A.C.T.)有提供演员训练课程，且在研习结束后即授与表演美术的硕士学位。我们发现美国演员都具备独特的技能融合，像是拥有非比寻常的动感豪情、足够的情绪高低起伏及英国式戏剧的个人语言风格及文字技艺。美国不同的艺术风格都具备严格表演标准，所以当国外同业来美国与我们合作时，他们总是对美国演员能歌善舞、能掌握多样化风格的才能赞不绝口。 我也认为我们是跨越领域的创新者，按照一定严格技巧原则构建的佳构剧(well-made play)已非主流形式。我们在去年与旧金山克罗诺斯四重奏团(Kronos Quartet)合作的跨领域音乐剧，就是为了培养热情剧迷的新型态歌剧。这种跨领域音乐剧随即在全国引起风潮，且值得一提的是，美国戏剧是国家性艺术而非纽约专属的艺术风格。 其实各种领域间进行多项交流是很棒的，且能产生强烈的国际影响力。我们也有很多国际性艺术家是美国戏剧学院(A.C.T.)出身的。 问题：美国剧场社群今日面临到最严重的挑战为何？ 回答：其一是为个人特质(idiosyncrasy)而奋斗。因为经济紧缩造成戏剧的同构型越来越高，制作人不愿意承担风险以致于每家剧院都制作出类似的戏剧。激动人心的戏剧是在特定时间为了特定社群制作出来的，且这种戏剧必须在特定场合呈现特别的表现风格。这样制作产生出来的戏剧才会成为魅力隽永的经典。如果你留心注意美国戏剧领域，你会发现现在上映的戏剧比以前的作品少了意外的惊喜，剧情如何发展全在你预料中。所以我认为个人特质是很重要的议题。 另一项挑战则是留住戏剧界的优秀人才。我们失去这些人才大多因为他们选择前往电影界发展。其它资源的诱惑实在太大。 问题：以你的观点来看，影响美国最巨的国外创造力及艺术鉴赏力为何？ 回答：讽刺的是，我们还必须感谢欧洲人留住如美国歌剧导演劳勃•威尔森(Robert Wilson)这种戏剧界的杰出艺术家。且难以置信的是，最著名的美国艺术家几乎都在欧洲剧团履行表演。像是在旧金山有来自全球的各色人种，所以无论你想要制作哪种类型的艺术形式，你都能找到适合的族群当作咨询对象。 问题：过去像是尤金•欧尼尔(the O'Neills)、田纳西•威廉斯(the Williamses)及他们同时期的创作才子仍是戏剧界的龙头老大吗？还是已经有明日之星崭露头角了？ 回答：我想应该有其它的戏剧天才开始受到瞩目。我不太清楚田纳西•威廉斯(Tennessee Williams)、尤金•欧尼尔(Eugene O’Neill)、克里夫•欧戴兹(Clifford Odets)、韩丝贝莉(Lorraine Hansberry)等等这个世代的剧作家，可能只有时间能证明他们是否在戏剧领域独占鳌头。但是我认为美国文学正进入旺盛期，也就是说明日之星有待日后慢慢发掘。由于这些明日之星的成功与失败均取决于剧院的慧眼识英雄，换句话说，剧作家就是这样一步一脚印慢慢崛起的。 相较于十年前，我认为现代美国观众对戏剧的要求更高。我们美国戏剧学院(A.C.T.)之所以不停地挑战自我创造出高挑战性的戏剧，是因为观众已经习惯欣赏我们用独特稀有的题材制作戏剧。 问题：一般而言，非纽约市的艺术指导在10或12年前是无法成功的达成以上目标。 回答：你说得对。这都是逐步进化发展出来的，且这个过程非常令人感到兴奋。对艺术家而言更是愉快有趣的经验。 问题：我们目前正处于经济不济的时期。你们是如何逆境自强、变通求生的？ 回答：西岸特别受到景气低迷的影响。然而北加州经济有好转的趋势，正好可以让我们美国戏剧学院(A.C.T.)摆脱地震后的财政赤字并募集到大笔认捐基金。我只能说硅谷工业区逐渐没落及911攻击事件都是加州经济衰退的主要因素。其实美国戏剧学院(A.C.T.)曾拥有的黄金时代就是早期「盒子办公室box office」(戏院)风行之时，观众都非常热望现场戏剧表演，他们特别重视看戏时的参与感。也因此我们跟其它美国境内的区域性剧院一样，依序举行演前交流、演后交流及座谈会协助观众对本剧增加参与感。我们也发现当观众有机会与我们产生互动时，反应都非常之热烈。 美国戏剧学院(A.C.T.)及全美其它非营利剧院其财务窘困的主要原因为长期倚赖基金捐赠。我们与交响乐团和美术馆不同，因为我们总是将重心放在如何制作出完美无瑕的下一部戏剧，却未认真思考过长期未来的发展以及如何在戏剧界存活。当你财务不稳时，你很难创新进步、成长茁壮并充满雄心壮志制作出你希望的剧作，为了不让剧团岌岌可危你只有放弃过多的理想回归现实。实在是很难两全其美。 问题：以你的推论来说，戏剧领域在未来10年间将会有怎样的发展？ 回答：我希望有更多中型剧院能再度起死回生。也唯有如此，整体剧院生态才能保持平衡。这也是为什么我希望美国戏剧学院(A.C.T.)能发展出较小型的剧院。这种中型剧院拥有200个观众席，且观众能在这等金碧辉煌的宽敞空间里欣赏一流的戏剧作品。 我决心奋战到底的另一件事就是主要剧团演员的培养进修计划，且这是我在美国戏剧学院(A.C.T.)里最值得一提的事。这是戏剧界推广的理想概念，然而美国剧院在过去十年间几乎无人实践之。杰出优秀的演员若能不断接受培训就能扮演好各种角色，且戏剧界最需要的就是这种全能演员。我期待最终能达到这个目标！譬如说，我们剧团里有个才华横溢的演员才刚演出戴维•马梅特(David Mamet)编剧之《美国野牛》(American Buffalo)里那个低级庸俗却有趣好笑的角色，现在他又要在契诃夫(Chekhov)的《三姊妹》(The Three Sisters)里饰演浪漫多情的人物。当然，最直接受惠的就是观众，因为观众能在戏院里直接体验到演员的转化历程。 _____ |
